Romanticismo Inglés: John Constable

Tras un tiempo sin publicar, vamos con el autor romántico inglés J. Constable, uno de los más importantes de principios del siglo XIX. Empecemos con la biografía

*Biografía

John Constable (1776 East Bergholt - 1837 Hampstead) fue el primer pintor paisajista inglés que no tomó lecciones de los holandeses. Le debe ciertamente algo a los paisajes de Rubens, pero su verdadero modelo fue Gainsborough, cuyos paisajes con grandes árboles plantados en masas bien equilibradas sobre pendientes que se elevan hacia el marco, tienen un ritmo que se ve con frecuencia en Rubens. La originalidad de Constable no radica en la elección de sus temas, que con frecuencia repiten aquellos que más gustaban a Gainsborough.

Sin embargo, Constable parece pertenecer a un nuevo siglo; su obra marcó el comienzo de una nueva era. La diferencia en el enfoque es resultado de su técnica como de sus sentimientos. Salvo los franceses, Constable fue el primer paisajista que consideró que el boceto tomado directamente de la naturaleza y durante una sola sesión era parte básica y esencial del trabajo; esta idea contiene la esencia del destino del paisajismo moderno, y tal vez de la mayor parte de la pintura moderna. Es esa impresión momentánea de todas las cosas la que será el alma de su obra futura. Durante su trabajo sobre un gran lienzo, el objetivo del artista es enriquecer y completar el boceto al mismo tiempo que mantiene su frescura prístina. A esos dos procesos dedicó su vida Constable y ellos le permitieron descubrir la exuberante abundancia de vida en los más sencillos y rústicos lugares. Contaba con la paleta de un pintor creativo y una técnica de vívidos sombreados finos que anunciaban lo que sería el impresionismo francés. Con audacia y franqueza introdujo el verde en la pintura, el verde de las espesas praderas, el verde follaje del verano, todos los tonos de verde que, hasta entonces, los pintores se habían negado a ver salvo con el filtro de tonos azulados, amarillentos y con más frecuencia marrones.

De los grandes paisajistas que ocuparon un lugar destacado en el arte del siglo XIX, Corot fue probablemente el único que escapó de la influencia de Constable. Todos los otros fueron descendientes más o menos directos del maestro de East Bergholt.

*Obras

Dedham Hill

Catedral de Salisbury desde los terrenos del obispo







El puente de Waterloo desde las escaleras del Whitehall





Parque de Wivenhoe





Bahía de Weymouth





La importancia de este artista radica en ser el origen del movimiento romántico (en pintura), y en predecir, al igual que otros pintores como Goya o Corot, el Impresionismo, que se desarrollaría medio siglo después. Las características románticas de las obras de Constable son los pisos inestables, tormentas, nubes, y en general, el concepto que Turner llamaría "lo Sublime", asociándose el terror con la belleza y la magnificencia.

Espero que os haya gustado, hasta la próxima!

Expresionismo - Nueva Objetividad Alemanes: Otto Dix

Esta semana estamos pasando de un extremo a otro; de no publicar, a tres entradas, del Renacimiento al Expresionismo. Concretamente al Expresionismo de Otto Dix, el pintor de posguerra por excelencia, junto a Georges Grosz. Ambos retrataron y vaticinaron el horror de la guerra y el régimen nazi.

*Biografía

Otto Dix (1891 Untermhaus - 1969 Singen) nació cerca de Gera, pero obtuvo sus primeras experiencias y entrenamiento en el arte en la venerable ciudad barroca de Dresde, a la que volvería en 1927 para tomar posesión del cargo de profesor de la Academia. La primera obra de importancia de Dix se produjo en medio de  la violencia de la Primera Guerra Mundial (la cual marcaría su estilo). Apenas algo más joven que los expresionistas originales, tuvo una larga y prolífica carrera durante la cual su obra pasó por cambios significativos, que siguieron aproximadamente los cambios principales en el desarrollo de la vanguardia alemana, del expresionismo al dadaísmo y luego, a partir de 1923, a la llamada Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad) . Sin embargo, la obra de Dix fue tan variada que no es fácil reducirla a simples fórmulas. Aunque fue uno de los principales artistas modernos de Alemania, la base de una gran parte de su trabajo, en especial a partir de mediados de la década de 1920, es un compromiso con los antiguos maestros alemanes como Cranach, Durero y Baldung Grien.

Cuando la guerra terminó, Dix se involucró en los círculos expresionista y socialista, como el del grupo berlinés Novemgruppe y otro grupo de Dresde, que incluía también a Felixmüller, de dotes artísticas precoces. Dix se describió a sí mismo muchas veces como "realista". en su discurso y comportamiento, era franco y no tenía paciencia para los sueños idealistas revolucionarios. Prager Street fue una de las respuestas más memorables e innovadoras de Dix a la posguerra. Al igual que en su grupo de veteranos de guerra lisiados que jugaban a las cartas y que realizó ese mismo año, Dix utilizó una franca yuxtaposición de materiales artificiales, fragmentos de objetos cotidianos y pintura de óleo para reconstruir una realidad caótica de cuerpos rotos y modernidad alineada.

Cuando Dix se convirtió en profesor de la Academia de Dresde, trabajaba con métodos y materiales asociados más comúnmente con los viejos maestros del siglo XVI. Su tríptico Metrópolis de 1928 se preparó con un infinito cuidado y pretendía ser una obra maestra moderna. Para entonces, Dix ya había evitado al Expresionismo. Pero, a pesar de todo, el retablo de sexo en la ciudad, basado en el brillo y miseria de Berlín, con su mordaz yuxtaposición de erotismo y muerte, continúa con los temas que habían preocupado a Dix casi desde el principio.

*Obra

Tropas avanzando bajo el gas (Stormtroops advancing under gas)

Retrato de la periodista Sylvia von Harden

La calle Prager (Prager Street)

Inválidos de guerra jugando a las cartas

Tríptico de guerra, Metrópolis

Las obras de Otto Dix realizan un intenso análisis de la misera sociedad de la Alemania nazi, de posguerra y en la Segunda Guerra Mundial, como pocos lo han hecho. Un cuadro de Dix puede hacernos una mejor idea que cualquier libro de texto (una imagen vale más que mil palabras), puesto que además de lo superficial, indaga en la psicología nazi y de la población de su tiempo. Podría decirse que es el "psicólogo de posguerra" por excelencia. Veremos a Georges Grosz, pintor interesante, al igual que Dix, para analizar la sociedad de entreguerras. Hasta la próxima!

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Renacimiento Italiano: Andrea Mantegna

Uno de los estilos más infravalorados en la historia del arte es el estilo del medievo. Es importante debido al comienzo del uso de colores y técnicas pictóricas a partir de las cuales se ha ido desarrollando los métodos actuales. Ahora tratemos el Renacimiento, cuando se empezó a trasladar el centro del mundo de Dios al ser humano (antropocentrismo). Así se empezaron a representar sentimientos, expresiones, etc. consiguiendo pinturas más ricas. Uno de los pintores renacentistas más importantes e iniciadores del movimiento es Andrea Mategna.

*Biografía

Andrea Mantegna (1431 Isola di Carturo - 1506 Mantua), cuyos intereses abarcaban el humanismo, la geometría y la arqueología y que era poseedor de una gran inteligencia imaginativa y erudita, dominó todo el norte e Italia gracias a su fuerte personalidad. En buscar de lograr ilusiones ópticas, dominó la perspectiva (característica del Renacimiento). Estudió pintura en la escuela de Padua, a la que asistieron también, con anterioridad, Donatello y Paolo Uccello. Desde muy joven, Andrea recibió una gran cantidad de propuestas de trabajo , como la comisión de los frescos de la capilla Ovetari de Padua.

En un lapso muy breve, Mantegna se hizo de un sitio y adquirió la fama de modernista, gracias a sus muy originales ideas y al uso de la perspectiva en sus obras. Su matriomonio con Nicolosia Bellini, hermana de Giovanni, le abrió el camino para su entree en Venecia.

Mantegna alcanzó la madurez artística en su obra Pala de San Zeno. Se estableció en Mantua y se convirtió en el artista de una de las cortes más prestigiosas de Italia, la de Gonzaga. Había nacido el arte clásico. A pesar de sus vínculos con Bellini y Leonardo da Vinci, Mantegna se negó a adoptar su innovador uso del color a dejar de lado su propia técnica de grabado.

*Obra

Frescos de la Capilla Ovetori

San Sebastián

Adoración de los tres reyes

Cristo Muerto

Cámara de los esposos en el Palacio Ducal de Mantua

Pala de San Zeno

Tránsito de la Virgen

Personalmente me parecen mucho más interesantes las pinturas de la Edad Contemporánea pero el Renacimiento es la base de la pintura actual, todo surge a partir del medievo y por tanto hay que reconocer la importancia de este tipo de pintura. Además en el Museo del Prado actualmente están algunas de las pinturas de Mantegna expuestas, por lo que os animo a ir a verlas. Hasta la próxima!

Recomendaciones

Para empezar; Lo siento por tener abandonado el blog, pero los exámenes achuchan, y hay que compaginar vida social, arte y estudios. Dicho esto, esta entrada no va a tratar sobre algún artista, pero sí sobre el arte. Me gustaría compartir con vosotros una "pequeña" guía de arte sobre los pintores y obras más importantes de la historia, desde la Edad Media hasta la actualidad. El libro se titula "1000 pinturas de los Grandes Maestros" de la Editorial Edimat Libros, cuesta 10 euros (anti - crisis el precio, porque pese a que sólo trace unas pequeñas pinceladas del arte mundial, ocupa sus mil y tantas páginas) y lo podéis encontrar en el Corte Inglés (al menos yo pude). Saciará vuestros cerebros hambrientos de arte, y está muy bien para iniciarse en el mundo del arte. Hasta la próxima! Intentaremos volver con arte la próxima vez.

Realismo Lírico Francés: Fantin - Latour

Tras un tiempo sin publicar vamos con el realismo lírico (transición realismo - impresionismo) de Fantin - Latour. Vamos con su biografía.

* Biografía

Para Henri Fantin - Latour (1836 Grenoble - 1904 Buré), la pintura de naturalezas muertas fue casi una maldición. Continuamente lo buscaban coleccionistas que no querían nada más de su inmenso talento. En consecuencia, se le conoce casi exclusivamente por sus delicadas naturalezas muertas, en las que destacó sin duda, aunque sus extraordinarias obras con figuras y retratos de grupo también sobrevivido la prueba del tiempo.

Muchos de los mejores ejemplos de las pinturas florales y naturalezas muertas de Fantin - Latour pueden encontrarse en galerías de arte y museos ingleses. Al examinarlas de cerca, revelan detalles y objetos que dejan una impresión sumamente realista. combinan el dibujo con intrincadas pinceladas y amorosas armonías del color. De este modo, las naturalezas muertas adquieren casi la condición de retratos y poseen gran realismo y profundidad pictórica.

*Obra

Sigue Vivo (Still Life)

Ásteres en un jarrón (Asters in a vase)

Rosas blancas (White Roses)

Retrato de Madame Léon Maître

Alrededor del Piano (Autour du Piano)

Náyade (Naiade)

Dos Hermanas (Two Sisters)

Tuvimos la oportunidad de admirar parte de su obra en la Exposición de los Impresionistas de la Fundación Mapfre hace un año (que todo hay que decirlo, Impresionismo hubo poco, unas cien obras de las cuales la mitad eran Realistas). Uno de los cuadros expuesto era Autour du piano y el otro una naturaleza muerta. Desde luego la naturaleza muerta destaca por encima del primero. Nunca me han gustado las naturalezas muertas, por ésto último, porque están muertas, carentes de emociones. Sin embargo la obra de Fantin - Latour le da vida, alegría, una historia.

Por otra parte podemos ver la transición realista - impresionista (especialmente en las obras Náyade y Le Soir (La tarde))  de la Escuela de Barbizón en su obra, puesto que fue discípulo Courbet. A lo mejor es verdad que su talento para las naturalezas fue una maldición y por ello no pudo desarrollar todo su talento, sin embargo, es el pintor de naturalezas muertas por excelencia, y desde mi punto de vista, casi nadie alcanza su nivel.

Hasta la próxima!

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Impresionismo Español: Joaquín Sorolla y Bastida

Hoy abordaremos a un pintor español (que ya tocaba); Joaquín Sorolla (tengo que contar una anécdota personal, cada vez que escribo Joaquín mi dedo se mueve cual autómata a la "u" para poner "Juaquín").

*Biografía

(Valencia, 1863 - Cercedilla, España, 1923) Pintor español. Formado en su ciudad natal con el escultor Capuz, estudió posteriormente las obras del Museo del Prado y, gracias a una beca, pudo residir y estudiar en Roma de 1884 a 1889. En esta época se dedicó sobre todo a cuadros de temática histórica, que no ofrecen demasiado interés.

Un viaje a París en 1894 lo puso en contacto con la pintura impresionista, lo que supuso una verdadera revolución en su estilo. Abandonó los temas anteriores y comenzó a pintar al aire libre, dejándose invadir por la luz y el color del Mediterráneo. Son precisamente las obras de colores claros y pincelada vigorosa que reproducen escenas a orillas del mar las que más se identifican con el arte de Sorolla.

Sin embargo, fue un artista muy activo, que realizó también numerosos retratos de personalidades españolas y algunas obras de denuncia social (¡Y aún dicen que el pescado es caro!) bajo la influencia de su amigo Blasco Ibáñez.

Su estilo agradable y fácil hizo que recibiera innumerables encargos, que le permitieron gozar de una desahogada posición social. Su fama rebasó las fronteras españolas para extenderse por toda Europa y Estados Unidos, donde expuso en varias ocasiones. De 1910 a 1920 pintó una serie de murales con temas regionales para la Hispanic Society of America de Nueva York.

En el estilo más característico de Sorolla, el de técnica y concepción impresionista, destaca la representación de la figura humana (niños desnudos, mujeres con vestidos vaporosos) sobre un fondo de playa o de paisaje, donde los reflejos, las sombras, las transparencias, la intensidad de la luz y el color transfiguran la imagen y dan valor a temas en sí mismo intrascendentes.

Algunos críticos consideran estas obras un cruce entre los impresionistas franceses y los acuarelistas ingleses. Existe una importante colección de pintura suya en el Museo Sorolla de Madrid.

*Obra

Y aún dicen que el pescado es caro!

Paseo en la playa

Pescadoras valencianas

Niños en la playa

Pérez Galdós

Albaicín

Las tres velas

Su dominio de la luz es único, no he visto autor que tenga esa capacidad de captar atmósferas. Además es un autor comprometido con la sociedad, con los movimientos obreros de la época, y se muestra en obras como Y aún dicen que el pescado es caro!, que reflejan la dureza de la sociedad proletaria en el siglo XIX - XX.

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Impresionismo Estadounidense: Mary Stevenson Cassat

Volvamos a la pintura, la pintura de Mary Stevenson Cassat.


*Biografía (no, no es de Wikipedia, vamos evolucionando)

Mary Stevenson Cassat (1844 Pittsburgh - 1926 Château de Beaufresne) nación en Pittsburgh. Su padre fue un banquero de ideas educativas liberales y toda la familia parece haberse inclinado por la cultura francesa. Mary tenía apenas cinco o seis años la primera vez que visitó París, y apenas era una adolescente cuando decidió que quería dedicarse a la pintura. Viajó a Italia, a Amberes y a Roma, para finalmente volver a París, donde, en 1874, se quedó a vivir permanentemente.

En 1872, Cassat envió su primer trabajo al Salón, y otros le siguieron en los años posteriores, hasta 1875, cuando el retrato de su hermana fue rechazado. Adivinó que el jurado no se había sentido satisfecho con el fondo, así que lo repintó varias veces, hasta que, en la siguiente exposición del Salón, el mismo retrato fue aceptado. Fue entonces que Degas le pidió que expusiera con él y sus amigos, el grupo de los impresionistas, que comenzaba a destacar, y ella aceptó con gusto. Admiraba a Manet, Courbet y Degas, y odiaba el arte convencional.

El biógrafo de Cassat señala la intelectualidad y el sentimiento patente en su obra, así como la emoción y la distinción con la que pintaba  a sus modelos favoritos: madres con bebés. Luego habla de su interés predominante en el dibujo y de sus dotes para los patrones lineales, mismas que se fortalecieron mucho con su estudio del arte japonés y su emulación del estilo en los grabados de color que realizó. Mientras que su estilo puede poseer características de otros pintores, sus dibujos, su composición u la luz de los colores son algo que le es enteramente propio. En su obra hay cualidades de ternura que es posible que sólo una mujer pueda expresar. Estas cualidades que dan a su obra un valor duradero son la marca de un pintor sobresaliente.

*Obra

Niñita en un sillón azul

En el palco (In the box)

Lydia apoyándose en sus brazos (Lydia leaning on her arms)

Lilas en la ventana (Lilacs in a window)

La madre joven (The young mother)

Niños jugando con un gato (Children playing with a cat)

Observando su obra, se nota como a lo largo de los años sus pinturas van centrándose en plasmar las relaciones materno-filiales, aumentando los cuadros con bebés y madres los cuales se convertirían en su sello personal. Quizá la ausencia de un hijo y de un marido agudizó su instinto maternal y consiguió captar la ternura de las escenas madre - hijo. Su pintura recuerda ligeramente a los colores sensuales de Renoir (personalmente a mi me lo parece).


Pasando a un plano extra-artístico habréis notado que ahora pongo el título original de la obra, puesto que tengo miedo a traducir erróneamente, ya que traduzco directamente de otros idiomas. Hasta la próxima!