viernes, 28 de enero de 2011

Realismo Lírico Francés: Fantin - Latour

Tras un tiempo sin publicar vamos con el realismo lírico (transición realismo - impresionismo) de Fantin - Latour. Vamos con su biografía.

* Biografía

Para Henri Fantin - Latour (1836 Grenoble - 1904 Buré), la pintura de naturalezas muertas fue casi una maldición. Continuamente lo buscaban coleccionistas que no querían nada más de su inmenso talento. En consecuencia, se le conoce casi exclusivamente por sus delicadas naturalezas muertas, en las que destacó sin duda, aunque sus extraordinarias obras con figuras y retratos de grupo también sobrevivido la prueba del tiempo.
Muchos de los mejores ejemplos de las pinturas florales y naturalezas muertas de Fantin - Latour pueden encontrarse en galerías de arte y museos ingleses. Al examinarlas de cerca, revelan detalles y objetos que dejan una impresión sumamente realista. combinan el dibujo con intrincadas pinceladas y amorosas armonías del color. De este modo, las naturalezas muertas adquieren casi la condición de retratos y poseen gran realismo y profundidad pictórica.

*Obra

Sigue Vivo (Still Life)


Ásteres en un jarrón (Asters in a vase)


Rosas blancas (White Roses)


Retrato de Madame Léon Maître


Alrededor del Piano (Autour du Piano)


Náyade (Naiade)


Dos Hermanas (Two Sisters)


Tuvimos la oportunidad de admirar parte de su obra en la Exposición de los Impresionistas de la Fundación Mapfre hace un año (que todo hay que decirlo, Impresionismo hubo poco, unas cien obras de las cuales la mitad eran Realistas). Uno de los cuadros expuesto era Autour du piano y el otro una naturaleza muerta. Desde luego la naturaleza muerta destaca por encima del primero. Nunca me han gustado las naturalezas muertas, por ésto último, porque están muertas, carentes de emociones. Sin embargo la obra de Fantin - Latour le da vida, alegría, una historia.

Por otra parte podemos ver la transición realista - impresionista (especialmente en las obras Náyade y Le Soir (La tarde))  de la Escuela de Barbizón en su obra, puesto que fue discípulo Courbet. A lo mejor es verdad que su talento para las naturalezas fue una maldición y por ello no pudo desarrollar todo su talento, sin embargo, es el pintor de naturalezas muertas por excelencia, y desde mi punto de vista, casi nadie alcanza su nivel.

Hasta la próxima!

Puedes seguir el blog en twitter: http://twitter.com/#!/Sureuwill

miércoles, 19 de enero de 2011

Impresionismo Español: Joaquín Sorolla y Bastida

Hoy abordaremos a un pintor español (que ya tocaba); Joaquín Sorolla (tengo que contar una anécdota personal, cada vez que escribo Joaquín mi dedo se mueve cual autómata a la "u" para poner "Juaquín").

*Biografía

(Valencia, 1863 - Cercedilla, España, 1923) Pintor español. Formado en su ciudad natal con el escultor Capuz, estudió posteriormente las obras del Museo del Prado y, gracias a una beca, pudo residir y estudiar en Roma de 1884 a 1889. En esta época se dedicó sobre todo a cuadros de temática histórica, que no ofrecen demasiado interés.
Un viaje a París en 1894 lo puso en contacto con la pintura impresionista, lo que supuso una verdadera revolución en su estilo. Abandonó los temas anteriores y comenzó a pintar al aire libre, dejándose invadir por la luz y el color del Mediterráneo. Son precisamente las obras de colores claros y pincelada vigorosa que reproducen escenas a orillas del mar las que más se identifican con el arte de Sorolla.
Sin embargo, fue un artista muy activo, que realizó también numerosos retratos de personalidades españolas y algunas obras de denuncia social (¡Y aún dicen que el pescado es caro!) bajo la influencia de su amigo Blasco Ibáñez.
Su estilo agradable y fácil hizo que recibiera innumerables encargos, que le permitieron gozar de una desahogada posición social. Su fama rebasó las fronteras españolas para extenderse por toda Europa y Estados Unidos, donde expuso en varias ocasiones. De 1910 a 1920 pintó una serie de murales con temas regionales para la Hispanic Society of America de Nueva York.
En el estilo más característico de Sorolla, el de técnica y concepción impresionista, destaca la representación de la figura humana (niños desnudos, mujeres con vestidos vaporosos) sobre un fondo de playa o de paisaje, donde los reflejos, las sombras, las transparencias, la intensidad de la luz y el color transfiguran la imagen y dan valor a temas en sí mismo intrascendentes.
Algunos críticos consideran estas obras un cruce entre los impresionistas franceses y los acuarelistas ingleses. Existe una importante colección de pintura suya en el Museo Sorolla de Madrid.

*Obra

Y aún dicen que el pescado es caro!

Paseo en la playa


Pescadoras valencianas


Niños en la playa


Pérez Galdós


Albaicín


Las tres velas



Su dominio de la luz es único, no he visto autor que tenga esa capacidad de captar atmósferas. Además es un autor comprometido con la sociedad, con los movimientos obreros de la época, y se muestra en obras como Y aún dicen que el pescado es caro!, que reflejan la dureza de la sociedad proletaria en el siglo XIX - XX.

Os informo de la apertura de un twitter del blog; http://twitter.com/#!/Sureuwill, donde podréis seguir algunas noticias, frases, pensamientos, etc. Hasta la próxima!

martes, 18 de enero de 2011

Impresionismo Estadounidense: Mary Stevenson Cassat

Volvamos a la pintura, la pintura de Mary Stevenson Cassat.


*Biografía (no, no es de Wikipedia, vamos evolucionando)


Mary Stevenson Cassat (1844 Pittsburgh - 1926 Château de Beaufresne) nación en Pittsburgh. Su padre fue un banquero de ideas educativas liberales y toda la familia parece haberse inclinado por la cultura francesa. Mary tenía apenas cinco o seis años la primera vez que visitó París, y apenas era una adolescente cuando decidió que quería dedicarse a la pintura. Viajó a Italia, a Amberes y a Roma, para finalmente volver a París, donde, en 1874, se quedó a vivir permanentemente.

En 1872, Cassat envió su primer trabajo al Salón, y otros le siguieron en los años posteriores, hasta 1875, cuando el retrato de su hermana fue rechazado. Adivinó que el jurado no se había sentido satisfecho con el fondo, así que lo repintó varias veces, hasta que, en la siguiente exposición del Salón, el mismo retrato fue aceptado. Fue entonces que Degas le pidió que expusiera con él y sus amigos, el grupo de los impresionistas, que comenzaba a destacar, y ella aceptó con gusto. Admiraba a Manet, Courbet y Degas, y odiaba el arte convencional.

El biógrafo de Cassat señala la intelectualidad y el sentimiento patente en su obra, así como la emoción y la distinción con la que pintaba  a sus modelos favoritos: madres con bebés. Luego habla de su interés predominante en el dibujo y de sus dotes para los patrones lineales, mismas que se fortalecieron mucho con su estudio del arte japonés y su emulación del estilo en los grabados de color que realizó. Mientras que su estilo puede poseer características de otros pintores, sus dibujos, su composición u la luz de los colores son algo que le es enteramente propio. En su obra hay cualidades de ternura que es posible que sólo una mujer pueda expresar. Estas cualidades que dan a su obra un valor duradero son la marca de un pintor sobresaliente.

*Obra

Niñita en un sillón azul



En el palco (In the box)




Lydia apoyándose en sus brazos (Lydia leaning on her arms)




Lilas en la ventana (Lilacs in a window)




La madre joven (The young mother)




Niños jugando con un gato (Children playing with a cat)






Observando su obra, se nota como a lo largo de los años sus pinturas van centrándose en plasmar las relaciones materno-filiales, aumentando los cuadros con bebés y madres los cuales se convertirían en su sello personal. Quizá la ausencia de un hijo y de un marido agudizó su instinto maternal y consiguió captar la ternura de las escenas madre - hijo. Su pintura recuerda ligeramente a los colores sensuales de Renoir (personalmente a mi me lo parece).


Pasando a un plano extra-artístico habréis notado que ahora pongo el título original de la obra, puesto que tengo miedo a traducir erróneamente, ya que traduzco directamente de otros idiomas. Hasta la próxima! 

domingo, 16 de enero de 2011

Estilo Imperio Italiano; Il Vittoriano

Como prometimos en la anterior entrada vamos con algo de arquitectura. A unos cinco minutos a pie del famoso Coliseo en Roma, se encuentra Il Vittoriano, el monumento dedicado al primer rey de Italia, Victor Manuel II.


*Estilo
El estilo del monumento es el denominado estilo imperio. Este estilo fue tardío en Italia y trajo como consecuencias la creación de este imponente monumento. Es un estilo artístico, dominante en arquitectura, decoración de interiores y mobiliario y moda, durante los inicios del siglo XIX en Francia. Se inserta dentro del espíritu neoclásico. El Estilo Imperio, que tiene su antecedente en el estilo directorio, toma su nombre del periodo de gobierno de Napoleón en Francia, conocido como Primer Imperio Francés, y es cuando se construyen en París, las grandiosas estructuras neoclásicas como el Arco de Triunfo de París, la columna Vendome, y Iglesia de la Madeleine, para emular los famosos edificios de la Roma imperial.
En la estela de la caída de Napoleón, el estilo fue adoptado por otros países Europa, particularmente en la Rusia imperial, donde fue utilizado para celebrar la victoria sobre Napoleón en estructuras monumentales como el Ministerio de Marina, la catedral de Kazán, la columna de Alexander y la Puerta de Narva.
El estilo sobrevivió en Italia mucho más que en el resto de Europa, debido en parte a sus asociaciones con el Imperio romano, y también porque fue establecido como estilo nacional arquitectónico después de su unifiación en 1870.
*Historia
El Monumento Nazionale a Vittorio Emanuele II o Altare della Patria, más conocido como Il Vittoriano es  un enorme monumento elaborado en mármol blanco (procedente de Botticino, Brescia) situado en el centro de Roma. Se encuentra entre la Colina Capitolina y la Plaza Venezia.
La obra cuenta con majestuosas escalinatas, columnas corintias, y una gigante escultura ecuestre de Víctor Manuel y dos estatuas de la diosa Victoria sobre sendas cuadrigas.
La estructura mide 135 metros de ancho y 70 metros de altura (incluyendo la cuadriga y las alas de las diosas llega a 81 metros). En la base del monumento se encuentra el museo de la unificación de Italia.

*Conclusión
He tenido la oportunidad de visitar el monumento y se puede describir con una sola palabra; Magnificencia. Cuando se entra en la plaza, viniendo desde el Coliseo, y rodeado de ruinas romanas, está esperando el blanco monumento. El sol se refleja en él, dándole mucha presencia. Algunos dicen que es pomposo, a mí me parece que es imponente, el corte neo - clásico y la sobriedad del mármol blanco le da sensación de pureza. Realmente merece la pena visitarlo (yo lo he hecho dos veces, pese a que actualmente está en reconstrucción). Os dejo imágenes (tengo que decir que no se transmite la sensación de magnificencia en las fotos) y hasta la próxima;






miércoles, 12 de enero de 2011

Pintura Abstracta Estadounidense: Jackson Pollock

Tras esta sequía de entradas vamos con un pintor abstracto; Jackson Pollock. Personalmente nunca me ha gustado la pintura abstracta pero los cuadros de Pollock me transmiten algo que me llama la atención. Vamos con su biografía.

* Biografía

Nació en Cody, Wyoming (Estados Unidos), y posteriormente, en 1929, se mudó a Nueva York, donde estudió en la Art Students League con el pintor Thomas Hart Benton. Su trabajo, al ser ampliamente reseñado por el Moma, empezó a ser relacionado con el surrealismo. Los críticos del momento, tuvieron que empezar a relacionar su obra de una u otra manera con el «automatismo», en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que tienen lugar en el interior del artista. Entre 1935 y 1943 trabajó para la WPA y pintó bajo la influencia de Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su alcoholismo. En 1936 tuvo ocasión de trabajar en el taller experimental del muralista David Alfaro Siqueiros, usando pintura con bomba de aire y con aerógrafo, así como pigmentos sintéticos industriales. Desde 1938 hasta 1942 trabajó para el Federal Art Project (Proyecto de Arte Federal). Pero en el caso de Pollock, hubo otras fuentes de inspiración añadidas. Así, la cultura de los indios de Norteamérica, con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena. Esto le llevó también a probar otros materiales, como el barniz, el aluminio o los esmaltes sintéticos.

El pintor se casó con la pintora Lee Krasner en 1945, la cual le brindo todo su apoyo siempre, a pesar de las adversidades, y de los múltiples vicios de Pollock.
De su corta vida, se dice que los únicos años destacables fueron aquellos en que logró controlar su alcoholismo, es decir, el período 1949-1950. Peggy Guggenheim fue su mecenas, quien le entregaba una mensualidad.
Durante las décadas de los años 1950 Pollock recibió apoyo de la CIA por medio del Congress for Cultural Freedom (CCF, Congreso para la Libertad Cultural).
La carrera de Pollock se vio súbitamente interrumpida cuando falleció en un accidente de coche en 1956.

*Obra

Ritmo de Otoño; Número 30



Polos azules


Numero 5, 1948




Nº 31




Lucifer




*Conclusión

Pese a que la pintura abstracta y contemporánea no están entre mis estilos preferidos, Pollock y alguno más (Picasso, Dalí, etc.) se salvan y consiguen transmitir con sus trabajos. A medida que se ven sus cuadros parecen los mismos sin embargo, el físico Richard Taylor percibió como su obra, con el paso del tiempo, va definiendo fractales con mayor más precisión.

Aquí os dejo el artículo;

Hasta la próxima! En la próxima entrada empezaremos con algo de arquitectura, o sea que espero que os guste.